Programa de actividades

La soledad juvenil constituye una de las problemáticas sociales más complejas y silenciosas de la sociedad japonesa contemporánea. El aislamiento social, la fragilidad de los vínculos afectivos, la presión por el desempeño académico y laboral, así como las expectativas familiares y sociales, han contribuido a la aparición de diversas formas de desconexión que afectan particularmente a las nuevas generaciones. En este contexto, el cine japonés contemporáneo se ha convertido en un espacio privilegiado para representar, interpretar y cuestionar estas dinámicas.

La presente ponencia analiza las películas Tokyo Sonata (2008), de Kiyoshi Kurosawa, y Love at Least (Ikiteru dake de, ai, 2018), de Kōsai Sekine, como expresiones cinematográficas de la soledad y el aislamiento en el Japón contemporáneo. En Tokyo Sonata, la pérdida del empleo y el debilitamiento de la autoridad paterna desencadenan procesos de silencio, vergüenza y fragmentación familiar que evidencian las tensiones derivadas de la inseguridad económica y la crisis de los modelos tradicionales de masculinidad. Por su parte, Love at Least explora la experiencia de una joven que enfrenta depresión e hipersomnia, mostrando las dificultades para construir relaciones afectivas estables en un entorno marcado por la vulnerabilidad emocional y el estigma asociado a la salud mental.

A través del análisis de estas obras, se argumenta que la soledad no debe entenderse como una elección individual, sino como el resultado de factores estructurales vinculados con el sistema educativo, las exigencias laborales, las transformaciones familiares y las normas culturales que privilegian la conformidad social. Desde una perspectiva interdisciplinaria que articula estudios cinematográficos y análisis sociocultural, se sostiene que el cine funciona como un dispositivo crítico capaz de visibilizar las contradicciones de la modernidad japonesa y de plantear reflexiones universales sobre identidad, pertenencia y salud mental en sociedades cada vez más fragmentadas.

Esta ponencia analiza la película Article 15 como una representación crítica de las tensiones entre el marco jurídico igualitario del Estado moderno y la persistencia de estructuras sociales profundamente jerárquicas. A partir del enfoque de la colonialidad del poder de Aníbal Quijano y de los aportes sobre violencia simbólica de Pierre Bourdieu, se sostiene que el sistema de castas en la India se reproduce mediante prácticas institucionales y culturales que desbordan el ámbito normativo. Constituye una investigación cualitativa de corte fílmico que evidencia desde la narrativa cinematográfica, la contradicción entre la legalidad formal –encarnada en el Artículo 15 de la Constitución india– y la realidad social atravesada por la exclusión sistemática de las comunidades dalit, por un lado, y por otro, problematiza el papel del Estado como garante de derechos, destacando sus límites frente a formas históricas de dominación que operan tanto en el plano material como simbólico. Los hallazgos muestran que Article 15 no solo denuncia la violencia estructural, sino que también cuestiona la eficacia del Estado de derecho en contextos donde la igualdad jurídica coexiste con profundas desigualdades sociales. En este sentido, el filme se configura como un recurso analítico relevante para el estudio de las dinámicas de poder en el Sur global, al abrir la posibilidad de establecer diálogos comparativos con otras realidades sociopolíticas.

Este trabajo examina la emergencia del imaginario monstruoso como una forma de representación de la violencia estatal en el Japón de la posguerra a partir del análisis de Gojira (1954), de Ishirō Honda. Se sostiene que la figura del monstruo constituye una alegoría del poder tecnológico-militar moderno y de sus efectos destructivos sobre la población civil en un contexto marcado por la memoria de Hiroshima, Nagasaki y las pruebas nucleares de la Guerra Fría.

El marco teórico articula los planteamientos de Paul Virilio y Gilles Deleuze. Desde la perspectiva de Virilio, la modernidad tecnológica incorpora el accidente como una dimensión inseparable del progreso; toda innovación contiene la posibilidad de su propia catástrofe. Bajo esta lógica, Gojira puede interpretarse como la materialización simbólica del “accidente nuclear total”, donde la racionalidad técnica, la velocidad y el poder estatal convergen en una forma de destrucción masiva que rebasa los mecanismos convencionales de control.

Complementariamente, el enfoque deleuziano permite profundizar en la dimensión estética y ontológica del filme. A partir de las nociones de imagen-tiempo y crisis del esquema sensoriomotor, se argumenta que Gojira expresa una temporalidad marcada por el trauma, la discontinuidad y la imposibilidad de respuesta efectiva frente al desastre. El monstruo no opera únicamente como símbolo, sino como una fuerza que desborda la capacidad del Estado y de los individuos para organizar racionalmente la experiencia de la catástrofe.

Mediante un enfoque interdisciplinario que combina estudios cinematográficos e historiografía, la ponencia analiza cómo el cine funciona como un dispositivo de memoria cultural que articula el trauma nuclear y las tensiones entre soberanía estatal, seguridad nacional y vulnerabilidad social. Se concluye que Gojira constituye una reflexión crítica sobre la violencia del Estado y sobre la persistencia de una condición de amenaza permanente inscrita en la modernidad tecnológica contemporánea.